En este artículo vamos a analizar los diferentes aspectos en materia de ergonomía, estética y configuración en instrumento tan camaleónico como es la batería. Repasaremos diferentes épocas, tendencias y sobre todo historia para tener conocimiento del pasado, indagar en las raíces y saber el porqué de ciertas modas que siempre nos han llamado la atención, pero no conocíamos su trasfondo y cultura baterística.

La batería cuenta, como todos sabemos, con ciertos inconvenientes y desventajas frente a otros instrumentos en materia de transporte, ergonomía y montaje. Es el instrumento que más cuesta montar, preparar y sacar sonido. No sin recordar además, que es el instrumento que más se procesa y trata su sonido. Por contra, cuenta con ciertas ventajas…desde el especial halo que rodea a este maravilloso instrumento que a todo el mundo atrae, a ser uno de los instrumentos en los que más se ha avanzado tanto en construcción, como en proliferación de información, métodos y el gran sentimiento de unión que reina en este gremio.

Pero yendo al grano en el tema que a este artículo concierne, y hablando de ventajas, hay una especialmente importante:

Mientras muchos instrumentos lo máximo que pueden personalizarse (a partir de ahora lo llamaremos “customizarse”) puede ser en el propio instrumento y contando con las limitaciones de tener un instrumento con un único cuerpo, el cual gran parte de las “customizaciones” deben realizarse en un taller de luthería adecuado con especialistas cualificados, la batería al ser un instrumento con múltiples cuerpos, tantos como el intérprete quiera (y su bolsillo le permita, no nos engañemos), tiene unas posibilidades de “customización” casi infinitas. Un instrumento ideal para mentes imaginativas e inquietas, dispuestas a investigar y no concebir límites.

Aquí es donde entra la personalidad del intérprete, y sus ansias de investigación. Según mi punto de vista, las configuraciones basadas en modas no son más que la consecuencia de una corriente de mentes perezosas poco dispuestas a investigar. Pero esto es una valoración del autor tan subjetiva como la propia configuración de cada intérprete, y cada persona debe estar a gusto tocando, fuera de modas y tendencias. Entren en conflicto o no con éstas.

El eterno debate…sonido, estética o ergonomía? El secreto está en el centro de ese triángulo.

Configuraciones y épocas.

La batería es un instrumento relativamente nuevo y de los que más rápido ha evolucionado. Antes, en tiempos muy pretéritos, la percusión se concebía (en esta, nuestra cultura occidental) como parte de los ejércitos en los cuales llevaban tambores con parches de piel (humana o no) para intimidar a los enemigos. El primer fabricante de címbalos(a partir de ahora “platos”), Avedis Zildjian I, empezó creando las matracas que ensordecían del gran ruido que hacían, con la misma misión: Intimidar al enemigo. Aquí vemos como partían en la historia occidental los dos elementos más importantes de nuestro instrumento, los platos y los tambores, como objeto de persuasión en actos bélicos.

Con el tiempo, fue perfilándose su enfoque, el cual pasó a ser mucho más musical, a la vez que refinado. Aquí es donde los antepasados de la batería entran a formar parte como acompañamiento en las orquestas sinfónicas, en las cuales el percusionista y/o percusionistas tocaban la caja, timbales sinfónicos, y demás percusión. Alguna temperada (triángulo, metalófono, xilófono) también era parte de las partituras de estos magistrales y refinados músicos.

El siglo XX y definitivo nacimiento.

A principios del siglo XX, en los Estados Unidos estaba emergiendo un gran auge cultural y musical. Empezaba a gestarse el vodevil, las big bands, y en definitiva un estilo tan completo y arraigado a la historia de Estados Unidos como es el Jazz. En un principio, la batería en sí se creó como conjunto en USA, pero los elementos que la componen, ninguno proceden de éste país. El bombo y la caja proceden de Europa, los toms de Africa, China y Japón, y los platos de Turquía. Si analizamos la historia de Estados Unidos y la de la batería, son paralelamente similares, dos conjuntos creados por diversas culturas inmigrantes. Se calcula que empezó a aparecer en clubs y bares en la última década del siglo XIX. Pero faltaban elementos para el despegue definitivo… En un principio, con la llegada del pie de caja y pedal de bombo (comercializado por Ludwig), pudo ensamblarse la batería respondiendo a la demanda de instrumentistas para salas de baile en las que había que montar y desmontar rápidamente un “show”.El recién nacido “kit” de batería contaba con estos elementos:

 

^{Chick Webb y uno de sus primeros kits.}

 

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Años 20 y 30, un gran empuje tecnológico.

Dos décadas después del definitivo génesis de la batería, los constructores de estos instrumentos están decididos a darle un gran empuje tecnológico, aplicando mejoras prácticas que hagan de la batería un instrumento más práctico, manejable y musical. Lo primero que aplican, y con la ayuda en su investigación de un joven Gene Krupa, son los tambores afinables mediante tornillos. Esto supuso un gran adelanto tecnológico. El baterista ya podía variar la afinación girando tan sólo unos tornillos. Toda una revolución para la época. Por entonces, los parches aún eran de piel y se desafinaban mucho, e incluso algunas cajas posteriormente estaban equipadas con un portalámparas para dar calor a los parches con una bombilla, y así mantener estable la afinación.

En 1929,y en plena depresión económica estadounidense, emigró a a los USA uno de los herederos del secreto de la aleación de los platos originales turcos: Avedis Zildjian III. Recién llegado a Estados Unidos, Avedis empezó a investigar en un instrumento tan novedoso que estaba haciendo furor en la cultura musical y no había fiesta que se pudiera bailar sin él: La batería. A él se le unieron intérpretes del nuevo instrumento, al cual asesoraban y ayudaban para completarlo y hacerlo más musical. Ahí van algunos de ellos:

• En torno a los años 30, un baterista llamado Papa Jo Jones intervino definitivamente en el desarrollo del pie de hi hat y los propios platos de hi hat. En un principio el hi hat tenia el apodo de “Low Boy”, y estaba a la altura del tobillo. Papa Jo Jones subió el hi hat arriba para poder tocarlos con las baquetas y pulsarlo con el pié. Colaboró en la construcción de los platos hi hat con Avedis, sugiriéndole ideas en cuanto a sonido y tacto. Consecuencia de esto, se le apodó popularmente “Mr Hi Hat”.
• Gene Krupa trabajó junto a Avedis en la propia configuración de los demás platos. Lo primero que sugirió Gene fue la reducción del peso de los platos para adaptarlos a la batería. También desarrolló los platos “splash” y algún pang. Hay que reconocer que este hombre no tuvo parangón en investigación y le debemos mucho.

A partir de aquí, con un plato ride ya dentro del set, los herrajes dejaron de estar unidos a la consola central del bombo. El ride, hi hat y un estilo menos cuadrado, más musical, revoluciona la música que por entonces es ya muy popular el baile y el ocio con la música más popular del momento, el Jazz. Los baterías comenzaban a depurar su técnica y ser líderes en formaciones. Muy aclamado era el momento en el cual Gene Krupa hacía su solo de batería, con un show de luces espectacular para la época. Su set se convirtió en el estándar de entonces:

• Bombo de 24x14” ó 26x14”. Según la situación musical y época.
• Tom aéreo de 13x9”.
• Toms bases de 16x16 y 18x16,a veces ha llegado a poner el 18 como segundo tom y utilizado como tercero un tom base de 20x16 ( ¡ ).
• Caja de 14 x 6.
• Platos Avedis Zildjian, los cuales escogía el hijo de Avedis, Armand. Su set consistía en un ride, hi-hat, un splash y dos crashes.

La marca de la batería solía ser Slingerland, que entonces estaba en su época más gloriosa, cuando las big bands eran lo más popular del momento. Ésta marca hizo un gran trabajo en el desarrollo de los timbales base ó floor toms . Ludwig venía pisando fuerte, pero aún no había llegado su época.

Algo grande se estaba gestando.

^{Kit de Gene Krupa.}

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Años 50 y 60’s, diversificación de estilos y técnica llevada al límite.

En estos años, la música se ha hecho ya tan popular que han nacido muchos estilos y la batería está presente en todos ellos. Desde las big bands, pasando por los quintetos de Jazz, o el nuevo estilo que empezaba a popularizarse de la mano de un joven chico de Mississippi, el rock and roll. Como ya hemos dicho antes, la batería formaba una parte muy importante de todos estos estilos, ya que sin batería, recordemos que nadie baila. En cada estilo existe una configuración diferente adaptada al estilo musical (recordemos las posibilidades de adaptación de ésta), por lo tanto cada estilo era una batería y concepto totalmente nuevo y diferente.

Antes de analizar las nuevas configuraciones, analicemos las innovaciones. Es en ésta época cuando la batería toma unos adelantos que la configuran más tal y como la conocemos hoy. En 1957, Remo Belli, presidente de la compañía Remo de parches y percusión lanza al mercado un parche revolucionario creado sin piel de animal, y elaborado con un material que la casa DuPont de pinturas y productos sintéticos había sacado al mercado:

El Poliéster. El poliéster se desarrolló y utilizó en la 2ª Guerra Mundial, como protector contra el calor que los bombardeos nocturnos provocaban e inclemencias del tiempo, así las batallas anti-aéreas podían aguantar más en su puesto derribando aviones. Posteriormente y como ya hemos dicho, la casa DuPont sacó al mercado este compuesto, del cual se hacía una película fina muy valorada por su flexibilidad y resistencia llamada “Mylar”.

 

^{Demostración de cómo una película de Mylar del grosor de un parche Diplomat,}

^{puede sustentar gran peso, en este caso un coche}

Los parches sintéticos facilitaron que la afinación fuera más estable y duradera, además de permitir tocar a más volumen. Cosa que se agradeció ya que las recién descubiertas guitarras eléctricas de cuerpo sólido y su respetiva amplificación, requería unos niveles más altos de volumen. Por entonces también evolucionaron los herrajes, especialmente los sistemas de sujeción de toms al bombo. Rogers investigó mucho este aspecto y desarrolló un sistema que su articulación daba más juego en el aspecto de ergonomía y personalización.

 

Por entonces un fenómeno de masas llamado “televisión” hizo de la música un gran negocio, especialmente el llamado “Mundo del espectáculo”. La demanda de músicos para este “boom” fue muy grande, y los instrumentistas empezaban a reconocerse. Dj Fontana con Elvis , Ringo Starr con The Beatles, Charlie Watts con Rolling Stones…y un sinfín de músicos más. Hay que tener en cuenta la magnitud de estos fenómenos. Aparecer en el “Ed Sullivan´s Late Show” en hora de máxima audiencia, contando con sólo dos canales más como competencia, y en un país de 250 millones de habitantes el cual adora la televisión…si, era una gran promoción, para qué engañarnos.

También hay instrumentistas que traen un gran bagaje desde los años 30-40 con las big bands, los cuales tienen un gran dominio técnico del instrumento, y pero siguen arraigados al “Show Bussiness”, y aparecen regularmente en televisión. Algunos como Buddy Rich (el cual fué el primer baterista en desarrollar y tocar en público los hi hats New Beat como tal), un aquejado Gene Krupa por la leucemia, o Papa Jo Jones. Éstos bateristas conservaban la misma configuración que habían utilizado desde siempre en las big bands de los años 40, y que antes hemos explicado.

Otra vertiente muy emblemática de esta época (primeros 60), fueron los grupos de Jazz, Elvin Jones con John Coltrane, un joven Tony Williams de tan sólo 17 años con Miles Davis, ó Philly Joe Jones con Miles también. Antes, en los años 50 habia aparecido un joven que revolucionó la música con un estilo abrasador y extraordinariamente rápido: El Bebop. Max Roach creó un concepto totalmente melódico en los solos y su batería en general, además de contar con una gran técnica de ejecución. Este estilo se dice que era música para músicos, por la cual acudían músicos a los clubs , con jams en las cuales cada músico demostraba sus habilidades técnicas y musicalidad. Los kits de Jazz contaban con muchas versiones, pero el más popular era de la marca Gretsch o Ludwig, y con estos elementos:

• Bombo de 20x14”.
• Tom de 12x8” (aéreo, sujeto mediante un sistema de raíl o también llamado banana).
• Tom base con patas de 14x14”.
• Caja de madera ó latón de 14x5”.
• Un set de platos compuesto generalmente por la serie K.Zildjian (entonces fabricada en Turquía) y con los siguientes elementos:
  • Ride de 22 -Hi hat de 14”
  • Ride fino de 20” con remaches.

Sistema “Banana”

Elvin Jones a los mandos de su kit Gretsch de Jazz.

 

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El kit de Bebop de los años 50 y 60 era muy parecido al de Jazz, pero con un bombo de 18” que respondiera rápidamente a esos frenéticos fraseos de bombo y caja. El kit se solía componer de:

• Bombo de 18x14”.
• Tom aéreo de 12x8” sobre un sistema de raíl al bombo.
• Tom base de 14x14”.
• Caja de 14x4” de madera de arce.
• Un set de platos compuesto generalmente por la serie K.Zildjian (entonces fabricada en Turquía) y con los siguientes elementos:
  • Ride de 22
  • Hi hat de 14”
  • Ride fino de 20” con remaches.

_{Max Roach en su clásico kit de Bebop.}

Una vertiente muy famosa fue la de los bateristas de rock, que aun viniendo del Jazz y teniendo muchas influencias de éste, contaban con un gran backbeat y acondicionaron sus kits para ello. Uno de los más famosos fue Mitch Mitchell con Jimi Hendrix. También estaba Charlie Watts, con The Rolling Stones, o Ginger Baker del grupo Cream. Estos bateristas eran un crisol de influencias y sus kits así lo reflejaban. Un ejemplo del kit del baterista de rock de la época puede ser éste:

• Bombos gemelos de 22x14 o 24x14”.
• Caja metálica de 14x5”.
• Toms aéreos de 13x9” y 14x10”.
• Toms bases de 16x16” y 18x16”.
• Platos de diversas marcas, los bateristas americanos solían utilizar Avedis Zildjian, mientras que los británicos utilizaban Zildjian que importaban, otros utilizaban Paiste, que en ese momento aún no había llegado su popularidad a América. Las configuraciones solían ser las siguientes:
  • Hi hat de 14 ó 15”.
  • Ride de 20” ó 22”.
  • Crashes de 16” y 18”.

Otra variante estaba en las mismas medidas, pero con un solo tom de 13x9” aéreo y un solo bombo. Las marcas que se barajaban en la época en los bateristas de rock sería su liderato para Ludwig, Gretsch y Premier. Slingerland tuvo algo de repercusión, pero las otras tres se les vio mucho más en éste panorama. También hay que toma en cuenta que entonces no se contaban con los medios logísticos de hoy día para las giras, y un baterista británico que tocara con Premier en Inglaterra, en sus giras por USA posiblemente utilizara Ludwig. Esto se debía en cierto modo a que además de los problemas de logística, no había un fenómeno como el de la globalización actual y no se contaba con una red de distribución tan grande a lo largo del mundo. Esto provocaba que las marcas eran más conocidas y utilizadas en su área más próxima a su ubicación geográfica.

Algunos ejemplos de baterías rockeras en los 60’s:

 

^{Ginger Baker de Cream.}

 

^{Mitch Mitchell y su kit en los primeros 60’s.}

En los cimientos del pop sesentero tenemos a Ringo Starr con un kit que representaba toda su personalidad y la simplicidad de una música directa y emotiva. Su famoso kit Ludwig en acabado de vinilo “Negro Ostra” fue un símbolo inequívoco de The Beatles, y la prueba de que un músico puede ser representado por el kit que calza, amén de que no es necesario ser un virtuoso para ser una pieza indiscutible en un grupo y cumplir con tu cometido a la perfección.

Su kit constaba de:

• Bombo de 22x14”.
• Caja de acero de 14x5”
• Tom de 13x9”
• Tom base de 16x16
• Platos Avedis Zildjian, un simple kit compuesto de:
  • Hi Hat de 14”.
  • Crash ride de 18”.
  • Crash de 16” ó 18”.

^{Ringo y el parche más famoso de la historia del rock.}

Hasta aquí llegamos con la primera parte de este artículo, próximamente podréis disfrutar conociendo las configuraciones mas usuales de los dispares 70’s y 80’s, pero todo esto será en la segunda entrega de “Metamorfosis De La Batería”. Un saludo y hasta pronto.